El segundo episodio de la serie documental "Música, guerra y revolución" está dedicada a los compositores rusos los años finales de la década del 10 y principios de los años 20 del siglo XX: los antiguos "jóvenes salvajes".
Compositores como Arthur Lourié, Nikolai Roslawets, Alexander Mosolov y Vladimir Deshevov y Lev Termen permanecen hasta el día de hoy relativamente e injustamente desconocidos y sus vidas han permanecido en gran parte inexploradas. Pero esta generación inyectó nueva vida al mundo musical de la época, dejando una gran huella.
Los jóvenes compositores eran aventureros; coquetearon con el futurismo, escribieron el primer acorde de doce tonos de la historia musical, inventaron el primer instrumento musical electrónico y crearon sonidos nunca antes escuchados. Redescubrir a estos compositores que fueron prohibidos, censurados y borrados del mapa musical, así como dar espacio a su música absolutamente encantadora que extrañamente se escucha, es el motivo del segundo de tres programas.
Al rastrear su vida personal y artística, el clima político y cultural y la realidad de la vida en Rusia a principios del siglo XX, el documental tiene como objetivo dar vida a estos compositores una vez más y revelar los vínculos entre el arte, la sociedad y la política. Músicos, especialistas y los descendientes aportan su mirada acerca de los “jóvenes salvajes” desde su perspectiva y establecen referencias en los campos culturales como del contexto histórico y político.
Música, guerra y revolución: un documental de tres capítulos que muestra como el estallido de la Primera Guerra Mundial afectó al mundo de la música.
Este ciclo del años 2016, contó con la dirección de Anne-Kathrin Peitz y la producción de Accentus Music en coproducción con WDR. Obtuvo el Premio Checo de Cristal al mejor documental en el Festival Internacional de Televisión Golden Prague de 2017.
El jurado elogió el documental por revelar la historia inédita sobre cómo los compositores fueron aprovechados por la Revolución para luego ser destruidos por ella.
Demuestra el poder de la investigación meticulosa, la dirección hábil y la edición sensible. Presenta actuaciones musicales de sorprendentes obras rusas e iilustra cómo las personas cuya devoción por la música les costó su sustento y reputación.
Se verá en la pantalla de film & arts, el miércoles 10 de junio a las 19 hs. con repeticiones el jueves 11 a la 1 de la mañana y a las 13 horas.
Audio ad hoc.
El martes 12 de septiembre de 1944 nacía en una isla de Texas el enorme músico Barry White. Nuestro cumpleañero no la tuvo fácil, creció en la extrema pobreza en la ciudad de Los Angeles.
La música literalmente le cambiaría la vida, y haría que el mundo fuese mejor para todos nosotros.
Su registro de bajo asomó a los 14 años, y fue característico.
Fundó la Love Unlimited Orchestra en los 70 tempranos y le puso ritmo y letra a muchas canciones de amor.
Cultor del Rythm & Blue, participó de la música disco y produjo varios artistas.
Su estilo es inconfundible. Infinidad de disc-jockeys, como el inolvidable Pato C, o Alejandro Pont Lezica, solían presagiar la llegada de los lentos cuando sonaban los acordes de la Love Unlimited. Entonces el grave registro de Barry White, hacía que las parejas aproximaran sus cuerpos, para que la música no dejara de sonar jamás ...
Audio ad hoc: https://drive.google.com/open?id=1AuQRkqnl6GqhXyi99itWCUJUQH3GEjLi
Subimos a la terraza, y damos con unos seres geniales.
En 1920 tuvimos los locos de la azotea en Buenos Aires, y el jueves 30 de enero de 1969, otra vez cuatro genios subieron para grabar su último concierto en vivo. Fue en Londres, en medio de una fría y ventosa jornada.
Los Beatles no estaban muy convencidos de la movida que propiciaba el tenaz Paul McCartney. A Dios gracias, se arriesgaron y dejaron este documento, donde tocaron por espacio de 40’ desde el edificio de los Estudios Apple, y pronto se congregó el público para disfrutar del regalo caído del cielo.
Las condiciones no eran las mejores: frío y viento, típicos ingredientes del invierno londinense.
A la movida se sumó el tecladista Billy Preston. John tenía las letras de las canciones en el piso, frente a posibles olvidos. George y Ringo tocaron arropados con los abrigos de sus mujeres.
El ingeniero de sonido, un tal Alan Parsons, cubrió los micrófonos con medias femeninas, para contrarrestar el sonido del viento.
Tocaron siete temas, hasta que la policía inglesa clausurara el concierto por ruidos molestos.
A modo de despedida, John Lennon agradecía al público y agregaba: esperamos haber aprobado la audición. ¿Que nota les ponemos?
Un año mas tarde el tema fue grabado como lado B de un disco simple, que saldría a la venta el martes 28 de enero de 1969.
Los sabios radio operadores, empezaron a pasarlo por las emisoras, y el público lo consagró, a tal punto que la grabadora Motown, reeditó inmediatamente el disco, con un cambio My cherie Amour, pasó a ser el lado A: alcanzando el 4° puesto en las listas de ventas.
En agosto de ese año, Stevie Wonder lanzó un long play que llevó por título My Cherie Amour, un disco tan adorable como este día de verano ...
El domingo 19 de octubre de 1913, nuestro mundo mejoraba, porque a las 5 de la mañana nacía en Río de Janeiro, Vinicius de Moraes, artista que brilló con luz propia.
El "blanco más negro de Brasil", autor de letras de inifinidad de canciones de la Bossa Nova.
Poeta, por naturaleza, por vocación y por oficio, por eso lo llamaban “O poetinha”.
Se graduò como abogado, y una beca lo llevarìa a estudiar literatura inglesa en Oxford, allà por 1938.
Ejerciò la critica de cine, fue cronista, y gracias a su ingreso en el servicio diplomàtico, pudo viajar por el mundo.
Asì conociò a Orson Wells, a quien impresionò por conocer de memoria, todos los dìalogos de “El ciudadano”.
Gracias a urdir el vìnculo entre literatura, teatro, y cine, Vinicius hizo que su obra Orfeo, tragedia del carnaval carioca, fuera llevada al cine, y ganara la Palma de Oro de Cannes, y el Oscar a la pelìcula extranjera, allà por 1959.
La cosa no quedò allì, porque la banda de sonido, compuesta por un osado pianista llamado Tom Jobim, recorriò el mundo, y la Bossa Nova, se convirtiò en un gènero de mùsica popular, reconocido y bailado en todo el planeta.
El Vinicius nuestro de cada dìa, nos recuerda la importancia de cultivar el encuentro con amigos, de venerar a las mujeres, arte que supo cultivar como pocos, de la belleza de la mùsica, y nos describe ese sentimiento esquivo, que es la felicidad. RadioViñeta alusiva
Porque es mejor ser alegres, que ser tristes. Saravà!
1956 IBM lanza RAMAC 305, primer equipo con disco rígido (arriesgad el tamaño del mesmo, si sois guapos).
Aquella computador(it)a pesaba una toneladita, ocupaba una habitación de 9 x 15 metritos. Cambia todo cambia ..
1964 Era domingo, al día siguiente Pablo VI, inauguraría la tercera sesión del Concilio Vaticano II. Por eso, aquel domingo fue menester descansar ...
1965 Los Beatles lanzaban Yesterday (ayer nomás ..), y lograban su primer Grammy.
1969 La genial dupla Hanna Barbera estrena en la cadena CBS, Scooby Doo. Es el nacimiento de otra concepción de dibujos animados, donde un perro y cuatro adolescentes cazan fantasmas por el mundo, viajando en una máquina milagrosa. El fenómeno beat, y surrealista dejaba su huella hasta en los cartoons!
1970 IBM anuncia un nuevo sistema, en consonancia con la década. Como llamarase? IBM 370.
1985 Aparece el jueguito Super Mario (origen del miso?).
1997 Elton John irrumpe en el mercado con su tributo a Lady Di (nombre del tema?).
El lunes 16 de mayo de 1966, salía a la venta, un disco que volaría miles de cabezas y cambiaría la forma de escuchar música. Esto fue posible gracias a Los Beach Boys, con su disco Pet Sounds.
Su lider, Brian Wilson, había quedado muy impresionado con el disco Revolver de los Beatles.
Entonces se propuso grabar un disco mejor aún (sería posible?).
Se encerró en un estudio a componer y convocó a Tony Asher, compositor de jingles publicitarios.
La idea, era que la música fuese pegadiza y lograra un sonido distinto.
Vaya si lo logró, porque los beatles declararon que para componer Sargent Pepper, se habían inspirado en Pet Sounds.
La prestigiosa publicación Rolling Stones,calificó al disco Sargent Pepper, como el mejor de todos los tiempos, seguido de Pet Sounds!
Entre los sonidos encontramos instrumentos musicales, silbatos, timbres de bicicleta, latas de Coca-Cola y hasta ladridos de perros. Sólo Dios sabe ...
Así como solemos evocar la contribución de artistas contemporáneos a la música, hoy lo haremos con Bartolomeo Cristofori, nacido el martes 4 de mayo de 1655 en Padua, perteneciente por aquel entonces al Reino de Venecia.
El buen Bartolo sin exagerar, cambió por completo la historia de la música. En sus comienzos, estuvo cerca de un luthier de violines. Tiempo mas tarde, el clavicordio, captó su atención durante largo tiempo, porque Cristofori buscaba mejorar el estridente sonido metálico del clavicordio, mezclandolo con las celestiales cuerdas del arpa. De esta conjunción surgiría el arpicémbalo, mezcla de arpa y clavicordio.
El nuevo instrumento lograba sonidos mas sostenidos en el tiempo, que podían sonar suaves o fuertes, según la digitación de las teclas. La sociedad prefirió denominarlo piano e forte, describiendo la intensidad de los sonidos que podia lograr.
Para luego abreviarlo tal como lo conocemos en nuestros días, piano.
Nuestro reconocimiento entonces, al gran Bartolomeo Cristofori, quien supo poner el abanico de notas a nuestras disposición, repartido entre blancas y negras.
Un invento revolucionario que sigue sonando y mejorando nuestras vidas.
El Día Mundial de la Diabetes es un día de campaña de concientización sobre esta enfermedad, que se celebra cada 14 de noviembre.
Somos más de 60 países quienes nos sumamos a esta campaña y se ha logrado que diferentes monumentos en el mundo, sean iluminados de azul en esta fecha en señal de esperanza para las personas que viven con este terrible enfermedad, y por quienes están en vías de desarrollarla.
Se eligió esta fecha por ser el nacimiento de Frederick Grant Banting, quien junto a Charles Best descubrió la insulina, cuyo descubrimiento permitió que la diabetes pasara de ser una enfermedad mortal a una enfermedad controlable.
Las actividades van desde caminatas, charlas y conferencias de prensa sobre la temática.
¿Sabés cuantas personas tiene diabetes?
Son muchas: mas de 422 millones de personas. Y cada año, más de 3 millones de personas que viven con diabetes, mueren por esta fatal enfermedad.
Involucra, a mas del 8% de la población adulta.
Factores de riesgo:sobrepeso y sedentarismo. Te suenan?
Si eso que solemos hacer, frente a la tele, la compu, o el telefonito.
A calzarnos las champion y a mover las piernitas, hoy, mañana y todo el año. Tal como nos lo propone Stephen Bishop, quien está cumpliendo años por esta fecha. El estadounidense nos propone conocer un rinconcito de la Isla de Manhattan, lindero al Barrio Chino, donde se pueden degustar ricas pizzas, deliciosos ristretos y disfrutar de caminatas y bailes en las calles.
Musical día para todos.
Hoy tenemos mas de un ritmo.
Es el día nacional del bandoneón, y a Dios gracias, celebramos el nacimiento de Anibal Troilo. Pichuco fue director, compositor e intérprete del bandoneón. Su mayor virtud, fue la de ensamblar a todos los músicos de su orquesta, logrando así una sonoridad impar.
"Dicho en clave futbolera, jugó bien, pero sobre todo, hizo jugar bien a todos en el equipo: nadie ha sonado ni cantao mejor, ni cantado mejor que cuando lo hacía junto a Troilo. Sin estridencia, sin prepotencia, sin divismo. A lo Troilo", así nos lo decía el pianista Diego Schissi.
También es el Día del baterista argentino, evocando la fecha de 2006, en que nos dejaba el gran músico Oscar Moro, baterista de grupos como Los Gatos, y Serú Girán, entre otros.
1961 Album debut de Bob Dylan, toma corpus un premio que pasará de la potencia al acto 55 años mas tarde. Bob sabe esperar ...
1964 La pasión Rollinga, cruza a la France pour la premiere fois!
1969 Se lanza el Wedding Album de John y Yoko.
1976 Lez Zeppelin estrena su filme y nos avisa que la canción sigue siendo la misma, el adorado cine teatro Studio, la proyectará ad aeternum. Altri tempi ..
1977 Sting durante una "gira policíaca", camina por París, y se inspira para parir su primer hit: Roxanne.
1978 The Police debuta en los EE.UU., mientras en Argentina, era muy difundido en "El Tren Fantasma", el mejor programa radial surrealista, emitido en la mítica FMR, la FM de Radio Rivadavia. Altri tempi, definitivamente ..
2016 La pianista Marcela Roggeri toca en el Teatro Colón.
La Academia Sueca
diría algo así: por su claridad de pensamiento, intensidad
lírica y por la capacidad de pintar la vida de modo realista, y al
mismo tiempo describirpintar un mundo cambiante, confundido y
esperanzado, se le otorga a Bob Dylan, el Nobel de Literatura.
Es una mera
hipótesis, vosotros juzgaréis.
Pero, entre nos,
el buen Bob, no necesita premio alguno. Su obra lo trasciende, y
nos habla, nos canta, jamás nos grita. Dylan recita en ese tempo
musical, que va del recitado a la canción. Estilo personalísimo,
que sólo pueden lograr quienes nos soplan verdades con sus palabras.
Y cuando esta, se hace canción, nos llega elevado a la enésima
potencia.
Por eso, y por
mucho mas, la candidatura de Bob Dylan al Nobel de Literatura, no es
nueva. Lleva 20 años. El Zorzal afirma que no es ná …
¿Qué lo habrá
llevado a tamaña postulación?
Veamos. Con
su obra, abrió/abre las molleras de millones. Nos hizo/hace
suspirar. Nos dibuja sonrisas, nos hace ser eternos disconformes
del deber ser, del statu quo.
Abona el terreno,
para que con humor, ironía y desparpajo, lleve mas de dos décadas
como candidato. Tiempo suficiente para que la viDylaniana de buenos
frutos.
¿Desprestigiaría
a la Academia, premiar a Dylan? Quizá los chochamus del Premio
Príncipe Asturias, haya primereado en algo, porque en 2007, le
otorgaron a Bob el premio de las Artes. En 2011 lo recibió un
monje, poeta y músico, Leonard Cohen.
Entiendo
aquí, un hecho central, que ratifica la necesidad en el mundo de
recuperar otra mirada, de elevar la vara. Música y Letra son (justos
y) necesarios.
Dylan es un
cultor ad aeternum de esta (elevada) misión.
No en vano,
inició en la década de los 80', su Neverending Tour, ratificando su
compromiso con la humanidad.
Consciente acerca
de la necesidad de expandir su dominio a otras lides, en 2004 publicó
Bob Dylan. Letras. 1962, 2001. En 2007, llegó (a Dios gracias),
la versión bilingüe.
Este volumen,
concentra cuatro décadas de decir cosas de otro modo.
Gracias a Bob
Dylan, nuestro mundo se pobló de seres egregios que nos cantan
verdades. Por estos lares, mi preferido es Miguel Cantilo. Otro
ser que cultiva las letras con un esmero artesanal y lleva mas de
cuatro décadas con la música, el canto y los libros. También
Charly García, tomó de Dylan, no el estilo, pero si la capacidad de
decirnos cosas inteligente y solapadamente.
Gracias a los
chicos del Premio Príncipe de Asturias, por reconocer en la obra de
Dylan un Arte. Y a los suecos, por animarse a premiar esta vid, que
sigue dando frutos.
Algunas
veces, el Premio Nobel, sirve para que asomemos nuestras hundidas
cabezas atiborradas de realidades disrruptivas, hacia cuestiones
trascendentes. Por eso, dirigimos nuestra mirada hacia otros campos,
y divisamos poetas disfrazados de músicos, que en lunfardo conocemos
como musi-puetas. Seres egregios, que llevan alivio a la humanidad. A
Dios gracias. Lo sabemos, la respuesta, está en el viento …
El presente trabajo, es una adaptación de “El Premio Nobel de Literatura a Bob Dylan”, de Pablo Espinosa, publicado en el N° 97 de la Revista de la Universidad de México, correspondiente a marzo de 2012.
Esta fecha, se la debemos a la (sana) tozudez de Ben Molar, inolvidable productor artístico que impulsó la instauración del 'Día Nacional del Tango'. Gracias a Ben, cada 11 de diciembre, evocando el natalicio de dos creadores de fuste como Carlos Gardel, y Julio De Caro, celebramos el noble género del 2x4.
Esta “loca idea”, nació una noche de 1965. Ben Molar estaba parado en Corrientes y Esmeralda, la esquina tango, cuando iba rumbo al cumple de Julio De Caro. Allí se le encendió la lamparita, a este productor avispado: asoció la fecha de nacimiento de De Caro con la de Carlos Gardel. Como quien no quiere la cosa, avizoró que además de ser representantes de dos grandes vertientes del gotan, eran dos grandes creadores nacionales.
Ni lerdo, ni perzoso, presentó la propuesta al Secretario de Cultura de Buenos Aires, Ricardo T. Freixá, quien le pidió la conformidad de las entidades artísticas. Molar consiguió la conformidad de Sadaic, Argentores, Sade, la Casa del Teatro, el Sindicato Argentino de Músicos, la Unión Argentina de Artistas de Variedades, y la Academia Porteña del Lunfardo, entre otras.
Once años más tarde, después de mucho recorrer y de observar cómo sus pedidos quedaban en cajones oficiales, amenazó (cordialmente) con hacer una gran movilización radial, televisiva y gráfica anunciando la organización de un festival monstruo en el Luna Park en apoyo del 'Día del Tango'. Y le pidió a Tito Lectoure el Luna Park para el 11 de diciembre.
A las dos horas del ultimátum se produjo el milagro: la promulgación del decreto anhelado durante tantos años. Así, el 29 de noviembre de 1977 Ben Molar recibió la noticia de que había sido firmado el Decreto Nº 5830/77 de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires.
El 11 de diciembre el festival se realizó ccon la presencia de grandes músicos, orquestas, cantantes, locutores, periodistas y personalidades vinculadas con el tango. Aquella noche, Julio De Caro recibió muy emocionado en el escenario el aplauso de unas 15 mil personas que cantaron su cumpleaños.
Eso celebramos este 11 de diciembre. Cortes, quebradas, milongas y poesías hechas canción. He allí (parte d)el espíritu del gotan.
Lou Rawls era prácticamente una institución en Estados Unidos.
En los años ochenta, un periodista español que estaba allí para entrevistar a Lou Reed se pasmó al descubrir que eran muchos más los estadounidenses que conocían a Lou Rawls que aquellos que sabían de la existencia del fundador de The Velvet Underground. Rawls resultaba muy visible: encabezaba programas benéficos televisivos y organizaba torneos de golf para recaudar fondos con destino a la educación de jóvenes afroamericanos y, sobre todo, ejercía como imagen pública de la cerveza Budweiser.
Nació el 1° de enero de 1933 en Chicago.
Desde pequeño comenzó a cantar gospel en iglesias bautistas. Luego se trasladaría a Los Ángeles.
Se enroló dos años como paracaidista en la 82 Aerotransportada; sufrió un terrible accidente que lo dejó fuera de escenarios durante largos meses. Ya recuperado, puso su grave e inconfundible voz en el glorioso “Bring it on home to me” y tantos otros temas compuestos por su amigo Sam Cooke.
A principios de los sesenta, grabó para Capitol Records.
Allí lo etiquetaron como vocalista de standards de jazz y blues. Aunque Rawls pronto se identificó con otro género, aún no identificado, donde contaba experiencias personales y las de su gente. Algo de esto quedó reflejado en Lou Rawls live! (1965).
También se acercó al soul, aunque sin renunciar al próspero circuito de los clubes nocturnos, que incluían Las Vegas.
Allí conocería y recibiría el espaldarazo de Frank Sinatra, a quien homenajearía con Rawls sings Sinatra.
Trabajó con orquestas, grupos pequeños y, sobre todo, con el productor y arreglador David Axelrod, que supo proporcionarle material moderno ideal para su registro de voz.
Entre sus éxitos mencionaremos Love is a hurtin' thing (1966), Dead end street (1967) y You good thing is goind to end (1969).
En los setenta le costó encontrar el nuevo rumbo del mercado, aunque en MGM lanzó una de sus canciones emblemáticas, Natural man (1971), con su elegante afirmación de orgullo negro.
Todo cambiaría en 1976, al integrarse a Philadelphia International. Porque los creadores del Sonido de Filadelfia aprovecharon su cálida voz de barítono y pusieron sus mejores recursos a su disposición.
Allí llegaría su mayor éxito, con You'll never find another love like mine (1976). Así se convertiría en un ícono, apareciendo en películas y series de televisión.
Su voz era conocida e inconfundible, resonando hasta en dibujos animados, donde fue doblajista, y en spots publicitarios.
Tras la bancarrota de Philadelphia International, grabó para Epic, Blue Note entre otras. Centró su actividad en los trabajos como actor y en conciertos: realizó numerosas giras por bases del Ejército de Estados Unidos. El Pentágono descubrió que era de los pocos artistas que atraía tanto a los soldados blancos como a los negros. También era un favorito en eventos empresariales, porque as grandes empresas apreciaban su mensaje de superación constante. Sin perder la sonrisa, continuó trabajando hasta el año 2004, y nos dejó a principios de 2006.
1869 Se inaugura el Canal de Suez.
1875 Muere Hilario Ascasubi, escritor y poeta.
1895 Nace Mijail Batjín, lingüista ruso.
1896 Nace Le Vygotski, psicólogo ruso.
1929 Muere Herman Hollerith, estadista fundador de IBM. A el se debe la constante de Hollerith en programación Fortran.
1942 Nace Martin Scorsese.
1959 Muere Heitor Villa-Lobos, músico brasileño decisivo para el s.XX.
Cómo es posible que u disco conoce a fondo, sea capaz de sequir conmoviendo al público, a lo largo de décadas?
Es lo mas cercano a un milagro, visto desde una mirada profagnóstica.
Afirmaría que en mi caso, son escasos discos, no llegan a cinco siquiera.
Traigo uno de ellos, quizá el mas emblemático, que tiene ricas historias sincrodestínicas.
Conjuga valores musicales, poéticos, y encierran tamaña vida en 4 versos.
Se trata de "Sobre Pájaros y Almas", obra conceptual de Alfredo Zitarrosa, junto a Héctor Numa Moraes, dos artistas orientales dos, que el querido Uruguay regaló al mundo.
Este es un disco que sugiero escuchar con auriculares, o dentro de un viaje en coche.
Hay que disfrutarlo de un tirón.
Uno debe estar dispuesto a escuchar música, poesía, relatos, y poner el cuore de poligriyo.
Si uno desconoce la obra del Flaco Zitarrosa, por generación, por gusto, o por lo que fuere, puede hallar aquí un compendio de toda su obra. Algo así como el ADN en flor.
Uno encontrará giros muy humorísticos, y otros profundos como nuestras almas.
Es la obra póstuma del gran Alfredo. Un gigante que nos dejó, pero que conmueve desde su obra.
Como debe ser.
El viernes 21 de agosto, tuvo lugar un oscurecimiento repentino durante la mañana criolla, cuando las radios empezaron a comunicar la partida de Daniel Rabinovich, integrante del polifácetico colectivo intitulado “Les Luthiers”.
Cuestión que nubló radios, televisiones, y güeb.
Súbitamente, varios medios, inundaron el éter, con parte de la maravillosa producción de un conjunto que difícilmente se irradie por los medios.
Intentar ensayar la partida de un vero artista en escuetas páginas, es una tarea ímproba. Daniel nos dejó a los 71 años, pero su aporte a Les Luthiers tiene marca registrada.
Supo ser el creativo para rematar situaciones, de un modo inesperado, tal como suele hacer el 10, dentro de un equipo futbolero. Cuestión que no es un don, sino fruto de una profunda comunión dentro del conjunto.
La hermana nación brasilera, supo reinventarse a fines de los 50' ya no desde la política, sino desde el arte, merced a la Bossa Nova, fruto del impulso de artistas, y un acierto marketinero desde grabadoras norteamericanas. La cosa prendió, como en ningún otro punto del orbe y hoy Brasil, es el país con mayor cantidad y calidad de músicos. Simultáneamente, en tierras criollas, esta novedad tuvo fuerte resistencia en los musical, debido al anclaje de ciertos estamentos.
Esto explicaría, en parte, porque Astor Pantaleón tuvo que remar tanto contra la corriente. Tampoco la tuvieron fácil artistas de la talla de Eduardo Lagos, Waldo de los Ríos o Miguel Saravia. Gente que durante los sesenta sembró infinidad de hectáreas de creatividad, a nivel musical.
Les Luthiers, no se colaron a la fama por el factor común que los unía que era la música, porque sus integrantes se conocieron en el coro de la Facultad de Ingeniería de la UBA, sino a través del humor. Terapia inefable, justa y necesaria, para sociedades harto rígidas, como la nostra.
Su nombre completo es/era Daniel Abraham Rabinovich Aratuz, su mote familiar era Neneco. Su verdadero apellido paterno era Halevy. Su bisabuelo, que llegó a la Argentina desde Besarabia (hoy Moldavia), no había hecho el servicio militar porque era rabino, por lo cual compró el documento de un muerto -de apellido Rabinovich- para poder salir de su país. Detalle que podría pasar inadvertido, pero nos deja vislumbrar un profundo conocimiento de las costumbres judías y criollas, a la hora de concebir chistes inteligentes, sin ofender, respetando costumbres y creencias para los inmigrantes. Riéndose siempre con, y nunca de. Ojalá se expandiera tan noble práctica ..
Vivió su infancia y juventud en el Palacio de los Patos, peculiar complejo porteño de viviendas ubicado en Ugarteche y Las Heras, en Buenos Aires.
En aquel “palacio” había varios folcloristas, que lo dejaban asistir a sus reuniones. Allí escuchó cantar a artistas famosos y aprendió a tocar la guitarra.
Su madre había estudiado piano, y su padre, tenía el hábito de cantar y silbar tangos. Desde los 7 hasta los 13 años estudió violín. Tomó clases con Ljerko Spiller, entre otros. A partir de los 14 años, se vinculará a la guitarra, queriendo emular a Ernesto Cabeza, guitarrista de Los Chalchaleros. La relación con el folklore sería eterna, repartiéndose con el jazz y con la música clásica. El rock, bien gracias.
A los dieciocho años, mientras estudiaba Derecho en la Universidad de Buenos Aires, ingresó al coro de la facultad de Ingeniería, donde conoció a Gerardo Masana y a los demás futuros integrantes de Les Luthiers, .que verían la luz (como conjunto) en 1967, al fundar Les Luthiers, ¡nombre jugado por cierto!
En 1969 obtuvo el título de escribano público (notario), y lo colgó, literalmente.
En los comienzos del grupo cantaba y tocaba la guitarra y una parodia de violín, así fue ganando protagonismo actoral. Cuestión percibidad por la crítica de arte. Un cronista lo llegó a comparar con Peter Sellers. “Leí esa nota, pero creo que fue una exageración”, dice Rabinovich. “La transformación fue gradual. No tenía ninguna veta humorística previa. De a poco comencé a realizar algunas improvisaciones graciosas, y me salieron bien”.
Ya lo creemos, porque apenas pisaba el escenario Daniel, el público empezaba a reirse, aún cuando no hablara. Su gestualidad era evidente. El mismo se definía como uno de los mas limitados, afirmando que su participación en la escritura, o en la composición musical de Les Luthiers, era escasa.
Su papel, iba in crescendo para articular, darle forma al material, unir la argamasa y agregarle los retoques e improvisaciones.
En tal sentido, creo era adherente a la máxima del maestro Jorge Corneo, “no hay mejor improvisación que una buena preparación”. Y así eran los espectáculos de Les Luthiers, joyas donde el disfrute, era desde el momento en que uno juntaba la plata para comprar la entrada. Porque el público de Les Luthiers, tenía, tiene y tendrá una pasión común: disfrutar del buen humor, cultivar la sutileza e intentar ser mejores personas y sociedades mas alegres.
A título persona, arriesgo, que el rol de sus espectáculos, a lo largo de épocas conflictivas, fueron un sosten para dibujar sonrisas e incitarnos a pensar, desde la difícil realidad argenta, ya no desde temas de actualidad, sino desde libretos escritos con un humor atemporal, con comentarios interpeladores.
Como si esto fuera poco, su incursión por la TV y el cine, fueron escasas, pero memorables, debido al arduo compromiso laboral de Les Luthiers.
Personalmente, creo dio momentos inolvidables a la comedia de Ariel Winograd “Mi primera Boda”, donde descolla junto a Marquitos Mundstock, ejerciendo el rol de rabino, algo que (efectivamente) llevaba en su sangre.
Entendemos que Daniel Rabinovich culminó su misión en la Tierra, y dejó muy buenos frutos.
¡Gracias!
Nuestro amigo, el violero Tommy Emmanuel, informanos de su nuevo vinilo intitulado "Viejas fotos". Vale la pena, Tommy sigue con su estilo tan frontal y acústico. Recuerdame al estilo del buen Agustín Bursette. Comprobadlo.
Hoy, miércoles 12 de agosto cumple años una persona que colabora a diario con la tarea de mejorar el mundo.
Lo hace desde su delicioso mundo musical, pleno de armonías, que nos permiten vivir con una felicidad mas plena e intensa.
Gracias Pat Metheny, por tanta vida en cuatro versos, por tantas escalas poco usuales, que se nos pegan y nos permiten asociarlas con imágenes sanadoras. Por no cesar en la producción de música y en acompañarte y hacernos conocer (y valorar) músicos inmensos como el versátil Pedro Aznar, el armoniquista Gregoire Maret, y tantos otros.
Su dupla junto a Lyle Mays, hace de ambos una especie de Lennon - Mc Cartney.
Feliz cumple y larga vida Pat!
Merci beaucoup. Vraiement - KikilloF - RadioViajero y soñador.
